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Jul 04, 2023

Mailänder Modewoche Herbst/Winter 2023: Gucci bis Bottega Veneta

Das Beste der Mailänder Modewoche Herbst/Winter 2023 – von hochkarätigen Modetrends wie Prada, Fendi und Armani bis hin zu einer wachsenden Schar aufstrebender Talente in der italienischen Mode- und Designhauptstadt. Erhalten Sie unsere Tageszeitung

Das Beste der Mailänder Modewoche Herbst/Winter 2023 – von hochkarätigen Modetrends wie Prada, Fendi und Armani bis hin zu einer wachsenden Schar aufstrebender Talente in der italienischen Mode- und Designhauptstadt

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Die Mailänder Modewoche H/W 2023 fand letzte Woche (21. – 27. Februar) in der italienischen Stadt, die für Stil steht, statt und umfasste über 50 physische Shows – darunter die üblichen Verlosungen mit großen Eintrittskarten, darunter Prada, Fendi, Giorgio Armani und Dolce & Gabbana und Bottega Veneta, unter anderem. Letzteres war der dritte Auftritt des französisch-belgischen Kreativdirektors Matthieu Blazy – seine beiden vorherigen Kollektionen fanden nahezu einstimmigen Beifall der Kritiker –, während der britische Designer Maximilian Davis nach seinem gefeierten Debüt im Haus im September 2022 eine zweite Kollektion für Ferragamo zeigte Eine wachsende Kohorte junger Talente in der Stadt kam mit freundlicher Genehmigung von Andreadamo, Durazzi Milano und dem japanischen Designer Tomo Koizumi, die am Sonntagmorgen (26. Februar) mit Unterstützung von Dolce & Gabbana ausstellten.

„Auch in dieser Saison bieten wir ein reichhaltiges Programm an Aktivitäten, die Mailands führende Rolle in der globalen Modeszene bestätigen“, sagte Carlo Capasa, Vorsitzender der Camera Nazionale della Moda Italiana, die die ganze Woche über stattfand und auch einen eigenen Fashion Hub veranstaltete mit einem Veranstaltungsprogramm, das Innovationen in der Branche feiert. „2023 stellt sich als ein Jahr dar, das durch eine Reihe von Komplexitäten gekennzeichnet ist, die unsere Branche in Chancen für Wachstum und Veränderung umwandeln kann.“ Ich glaube, dass die Milano Fashion Week die positive Energie unserer großartigen Marken am besten verstärken kann.“

Hier, in unserer Zusammenfassung, das Beste der Mailänder Modewoche Herbst/Winter 2023.

Giorgio Armani setzte seine Karriere im Bereich Schönheit mit einer Kollektion fort, bei der er zunächst über das Auftragen von Make-up nachdachte. „Maquillage ist immer ein intimer, persönlicher Moment“, bemerkte das Haus und verglich dieses Gefühl der Intimität mit dem Aufenthalt im kompakten Armani-Showroom in der Via Borgonuovo 21. „Es fühlt sich an wie ein Wohnzimmer, ein Ort für Dialog und Geselligkeit und die Garderobe.“ „Das, was diese Idee der sanften Häuslichkeit begleitet, ist fließend und erhaben.“ So folgte eine Kollektion lässigen Glamours – Seidenkleider, die in ihrer Fließfähigkeit an Pyjamas erinnerten, Hosen mit großzügigen Proportionen, während andere Kleidungsstücke durch den Reichtum an Texturen und Verzierungen, von Samtbahnen und Kunstpelz bis hin zu Perlen und Fransen, an Innenräume erinnerten. Die Farben erinnerten unterdessen an Make-up – eine „kosmische Palette“, wie das Haus beschrieb, bestehend aus erdigem Bronze, „Puder“ und einem Farbton von „Kajal“-Schwarz wie Kajal-Eyeliner. Zum Abschluss der Show schwenkte ein Model eine Puderdose und einen Schwamm von Armani und trug erneut Make-up auf, während sie über den Laufsteg lief. „Eine umfassende und persönliche Vision, die Intimität als Gegenmittel zum theatralischen Exzess suggeriert“, sagte das Haus.

„Die Alchemie der Straße“, beschrieb der französisch-belgische Designer Matthieu Blazy die Inspiration für seine dritte Kollektion für Bottega Veneta, den letzten Teil einer Trilogie von Shows mit dem Titel „Italia“, die die Lebendigkeit und Vielfalt der Menschen und Traditionen des Landes zelebriert und Handwerk. Eine „Kakophonie“ von Einflüssen prägte diesen jüngsten Ausflug und beschwor die Idee einer „Parade“ im mit Teppich ausgelegten Ausstellungsraum herauf – einem Ort, an dem „Techniken, Motive, Charaktere und Kreaturen aus der Vergangenheit durch Raum und Zeit reisen, um mit der Gegenwart und Gegenwart zu sprechen.“ die Zukunft“, erläuterten die Notizen. Die Weitläufigkeit von Blazys Projekt wurde vielleicht am besten durch die Statuen symbolisiert, die den Ausstellungsraum schmückten: ein Paar römischer Bronzeläufer aus dem 1. Jahrhundert v. Chr. und eine bewegliche Figur aus dem Jahr 1913 des italienischen Futuristen Umberto Boccioni mit dem Titel „Unique Forms of Continuity in Space“. Nur wenige Meter voneinander entfernt lagen zwischen ihnen fast zwei Jahrtausende und eine Kluft im ästhetischen Stil – und doch waren beide ein Symbol für ein Gefühl von Dynamik und Bewegung; Figuren auf dem Marsch. (Bottega Veneta hat gesagt, dass die Skulpturen in den Tagen nach der Ausstellung im Raum für örtliche Studenten zu sehen sein werden.)

Ein ähnliches Gefühl von Weite und Bewegung spiegelte sich in der Kollektion selbst wider, die 81 Looks umfasste und an den Besuchern vorbeiraste, während die Models mit hoher Geschwindigkeit marschierten. Blazy sagte, dass er die Sammlung nicht bearbeitet, sondern einen neuen „Charakter“ hinzugefügt habe, als ihm dieser in den Sinn kam; Daher begann die Kollektion mit Interpretationen von Nachtwäsche, als würden Models zu Beginn eines Tages aus dem Bett aufstehen – wie ein weißes Hemd und Socken, wobei letztere gestrickt wirkten, in Wirklichkeit aber aus aufwendig gewebtem Leder gefertigt waren, oder ein „Flanell“-Pyjama Komplett aus Nappaleder gefertigtes Set. Es folgte eine Vielzahl von Kleidungsstücken – die man kaum zusammenfassen kann –, die Blazys magische Interpretationen des Alltäglichen umfassten (aus Leder nachgearbeitete Papiereinkaufstaschen, eine Herrenhose, die mit Steigbügeln um den Fuß geschlungen wurde, eine breite Auswahl an exquisit geschnittenen Jacken und Mänteln). und elegante Interpretationen der Abendgarderobe, wie ein besonders auffälliges rotes Kleid mit gepolstertem Ausschnitt und der Andeutung von Packtaschen an der Taille. Blazy verglich es mit „Exquisite Corpse“, einem von Surrealisten geliebten Gesellschaftsspiel, bei dem jeder Teilnehmer nacheinander auf ein Blatt Papier zeichnet, ohne zu sehen, was vorher war. Beim Auffalten entsteht aus dem Papier eine zauberhafte neue Figur.

Magie und Alchemie; die Umwandlung von Metall in Gold – die Brillanz von Blazy liegt in seiner Fähigkeit, das Banale in außergewöhnliche Ausdrucksformen von Stil und Handwerk zu verwandeln, die immer wieder auf die Einfachheit der Beobachtung von Menschen auf der Straße zurückgreifen. „Eine Prozession, ein seltsamer Karneval, eine Menschenmenge von überall und überall und doch passen alle irgendwie zusammen und gehen in die gleiche Richtung“, sagte Blazy. „Ich wollte untersuchen, was Menschen dazu bringt, an einem Ort ohne Hierarchie zusammenzukommen, wo jeder eingeladen ist.“

Überwältigende Sinnlichkeit ist seit der Gründung ihrer gleichnamigen Marke im Jahr 1985 ein bestimmender Aspekt der Kollektionen von Domenico Dolce und Stefano Gabbana. Diese Stimmung setzte sich auch mit ihrem neuesten Angebot fort, das auf eine „Belle du Jour“-Kollektion aus dem Jahr 1992 zurückblickte (in den letzten Saisons gab es die Designer kehren zu ihren Archiven zurück, teilweise aufgrund des zunehmenden Wiederauflebens der Mode in den 1990er Jahren). Transparente Schichten tauchten in der überwiegend schwarzen Kollektion auf – ob Chiffon-Kleider im Negligé-Stil oder die aufwendig gearbeiteten Spitzen – die den Titel „Sensuale“ trugen. „Sinnlichkeit ist ein wichtiger Aspekt der Weiblichkeit, der nichts damit zu tun hat, sexy zu sein“, sagten sie. „Sinnlichkeit ist untrennbar mit einer inneren Erfahrung verbunden, die Frauen spontan und natürlich macht … frei von jeglicher Erfindung.“ Für einen eher verdeckten Kontrast sorgte eine Reihe von Jacken: ob taillierte Smokingjacken mit breitem Satinrevers oder weite Mäntel mit Federwedeln um den Hals. Auch verführerische rote Akzente waren zu sehen, darunter ein schimmerndes, juwelenbesetztes rotes Kleid, das Anok Yai zum Abschluss der Show trug – ein Design, das sich im Outfit der Kollaborateurin der letzten Saison, Kim Kardashian, widerspiegelte, die dieses Mal aus der ersten Reihe zusah.

Massimo Giorgetti wählte den Titel „The Ultimate Illusion“ für eine H/W-Kollektion 2023, die er als „eine unendliche Reise, ein Traum im Traum“ beschrieb (in der Sammlung wurde eine Zeile aus Edgar Allen Poes Gedicht „A Dream Within A Dream“ von 1949 zitiert). Anmerkungen). Präsentiert in einem weitläufigen weißen, quadratischen Raum – so etwas wie eine leere Leinwand, wie in den Notizen beschrieben – war Giorgettis Vision für die Saison von berauschender Lebendigkeit geprägt, mit breiten Farbstrichen (darunter Lila-, Rosa-, Elektrogelb- und Smaragdtöne) als Unterbrechungen die Kargheit der Umgebung wie eine Halluzination. Tatsächlich erwähnte Giorgetti den Einfluss von Psychedelia, der hier in einer Mischung aus Texturen und Drucken zum Ausdruck kommt – von Kunstpelzmützen, Handtaschen und Jacken bis hin zu einer Reihe verdrehter Blumen- und Landschaftsmotive sowie schimmernden Paillettenstreifen, die nachgeben das Erscheinen einer Spiegelkugel (The Chemical Brothers lieferten unterdessen den Soundtrack). „Was die Augen sehen können, glaubt der Verstand“, schlussfolgerte die Marke.

Der britische Designer Maximilian Davis verfeinerte seine Vision in Ferragamo weiter mit einer gelungenen zweiten Kollektion, die im riesigen MiCo-Kongresszentrum präsentiert wurde, das hier durch monolithische, geschwungene Wände umgestaltet wurde, um die herum die Teilnehmer saßen. Es war eine passende filmische Kulisse für eine Kollektion, die laut Davis seine Erkundung Hollywoods fortsetzte – Salvatore Ferragamo war bekanntermaßen als Schuhmacher für Schauspielerinnen des Goldenen Zeitalters wie Marilyn Monroe und Sophia Loren tätig – mit schlicht-eleganten Kleidungsstücken, die eine Destillation seiner Hauscodes signalisierten. Loren und Monroe lieferten gewissermaßen die Inspiration, wobei Davis anmerkte, dass er ihr hyperfeminines Erscheinungsbild verändern wollte, um den Grundstein für eine futuristischere Vision von Schönheit zu legen, die er als „fremden Futurismus“ bezeichnete. „Ich war daran interessiert, ihren Glamour und ihre Schönheit sowie ihre Art, sich zu kleiden, als Referenz zu verwenden, aber auch zu überlegen, wie wir es für die heutige Zeit modern wirken lassen können“, sagte er. So wurden Mid-Century-Silhouetten im präzisen Davis-Stil auf subtile Weise unterwandert: Ein Ferragamo-roter Anzug wurde sanft in der Taille betont, ein klassischer Mantel am Rücken ausgestellt, während ein Kokon-Schnitt der 1950er Jahre – angelehnt an historische Couture-Silhouetten – auf einen zeitgenössischen Stil übertragen wurde Bomberjacken und Hemden. Subversion kam auch in Form von Slicing-Elementen zum Einsatz – eine schwarze, maßgeschneiderte Herrenjacke wurde auf der Vorderseite durchgeschnitten, um rote Akzente zu setzen –, während schimmernde Lamé-Kleider eine futuristische Ausstrahlung hatten. „Das ist meine Sicht auf das, was die Menschen in den 1950er Jahren über die Zukunft denken würden: verfremdete Metallics und Hochglanz“, sagte der Designer.

Während seiner bisherigen Amtszeit hat Rocco Iannone Elemente aus der reichen Geschichte des Automobilbaus von Ferrari in elegante, zeitgenössische Kollektionen übersetzt; In dieser Saison bezog er sich auf die Idee von Beschleunigung und Geschwindigkeit. „Schönheit ist die Freude, die sich aus der Geschwindigkeit ergibt, eingefangen in ihrem anfänglichen Ausbruch, in ihrem vollen symbolischen und gestalterischen Potenzial“, erklärte der Designer und bemerkte, dass die Kollektion eine Vision eines Stils sei, der „übergeht, sich verändert [und] beschleunigt“. Bei den Kleidungsstücken selbst bedeutete dies eine Reihe von Schwerpunktverschiebungen, von Interpretationen der Arbeitskleidung – die an Kleidungsstücke erinnern, die mit der Formel 1 und dem Automobil in Verbindung stehen, wie dem Blaumann – bis hin zu körperbetonter technischer Strickware, weiter technischer Oberbekleidung und Acid-Wash Denim. Zu den Details gehörten das Ferrari-Emblem, das als Ohrringe mit hängenden Perlen neu interpretiert wurde, und eine elegante, hochglänzende Sonnenbrille mit Visier, die dem rasanteren Look dieser Saison den letzten Schliff gab.

Lucie und Luke Meier sagten Wallpaper*, dass sie von ihrer neuesten Kollektion etwas Unerwartetes erwarten sollten, die eine neue Stimmung des Eklektizismus repräsentierte, die aus prägenden Erinnerungen an die 1990er Jahre entstand. „Wir sprachen darüber, bevor wir [zusammen] arbeiteten, bevor wir überhaupt zur Schule gingen, und was die Gründe waren, warum wir uns zu dieser Art von Arbeit hingezogen fühlten, und wir landeten in [dieser] Stimmung Mitte bis Ende der 1990er Jahre“, sagte Luke zu Scarlett Conlon in einem Gespräch vor der Show. Insbesondere die Musik war ein Bezugspunkt – von DJ Shadows erstem Album Endtroducing… bis zum Aufstieg von Björk, der den Soundtrack der Show lieferte. Die Kollektion begann mit einer Erkundung der Motocross-Jacke – hier im skulpturalen, klaren Stil des Designers neu interpretiert und mit einer sportlichen Interpretation des Jil Sander-Logos versehen – bevor sie sich einer Kollektion zuwandte, die nach Aussage der Designer für den „Individuum“ geschaffen wurde. Von Wappenoberteilen mit Kirschmuster über minimale Variationen der Parka-Jacke (ein weiteres Grundnahrungsmittel der 1990er-Jahre) bis hin zu einer Reihe kontrastierender Texturen von flauschigem Matelassé und Mohair bis hin zu reflektierendem technischem Polyester. „Wir entwickeln uns als Menschen ständig weiter und unsere Ideen entwickeln sich ständig weiter und verändern sich ständig“, sagte Luke. „Mode ist aufregend, weil sie ein Dialog mit dem ist, was in der Welt vor sich geht.“

Die neueste Kollektion von Andrea Adamo endete mit einem Regenguss, bei dem Models mit Wasser aus einer Regenmaschine in der Mitte des Ausstellungsraums übergossen wurden (Adamo sagte kürzlich gegenüber Wallpaper*, dass Wasser in seiner Arbeit eine symbolische Bedeutung habe, da er in Süditalien am Meer aufgewachsen sei; Letzte Saison liefen Models durch ein Wasserbecken, das gleichzeitig als Landebahn diente. Die Kollektion selbst – die seine charakteristischen sinnlichen, zweiten Haut-Silhouetten fortführte und eine Reihe weitläufiger Mäntel und Schnittkanten hinzufügte – war eine emotionale Hommage an seine Herkunft in Crotone, Kalabrien, wo er aufwuchs. „Als Junge hielt ich meinen Kopf erhoben, während ich durch das Zentrum von Crotone ging, als wäre ich in einem Viertel einer Großstadt, und begann unbewusst, gegen Vorurteile und gängige Vorurteile anzukämpfen, um der zu sein, der ich wollte“, sagt er sagte. „Rücksichtslosigkeit ist meine Waffe gegen die Angst und der Moment größter Unsicherheit ist auch der Moment größter Kreativität.“ Daher enthielten die verschiedenen Kleidungsstücke der Kollektion Spuren dieser prägenden Zeit: Ein Jacquard-Motiv erinnerte an die Lehmhügel des Ortes, ebenso wie rissiges Leder, während die Verwendung von Gelb eine Hommage an seine Großmutter Mariacarla war, die aus „dem Gedanken an die Sonnenblumen, die sie liebte“, geboren wurde so sehr und die mich immer an sie erinnern.

Eine surreale Vorstellung eines Büroraums oder einer Lobby bildete den Hintergrund für Guccis neueste Kollektion, die vom Designteam des Hauses vor dem Debüt von Sabato De Sarno in der nächsten Saison entworfen wurde (er wurde im Januar 2023 vom Haus ernannt und wird seine erste Kollektion im September zeigen). ). In den Sammlungsnotizen hieß es, dass die Umgebung an einen Arbeitsplatz erinnern sollte; Als die Models den Raum in den Aufzügen durchquerten (durch clevere Tricks konnten sie auf der einen Seite in den Aufzug einsteigen und auf der anderen wieder aussteigen), spiegelte dies eine Bewegung zwischen den Abteilungen wider, „wie eine Idee im Archiv entzündet, im Studio entwickelt und zum Leben erweckt wird.“ im Atelier, bevor es endlich auf den Laufsteg geht. Die Sammlung selbst – eine Sammlung voller Klarheit und Zuversicht, die die Erwartungen eines solchen Interimsteams bei weitem übertraf – begann mit einem, wie das Haus es nannte, „Generationenaustausch“, bei dem sich die verschiedenen Mitglieder des Teams an ihre schönsten Erinnerungen aus ihrer Zeit im Haus erinnerten (Einige aus dem Team waren erst vor kurzem dort installiert worden, andere hatten dort 20 Jahre oder länger gearbeitet.) Es verlieh der Kollektion eine eklektische Stimmung, die größtenteils in den sinnlichen Designs von Tom Fords Amtszeit im Haus verwurzelt war, insbesondere im körperbedeckenden Eröffnungslook der Kollektion – ein Modell in einem juwelenbesetzten Doppel-G-BH-Oberteil und einem schwarzen Satinrock – aber beleuchtet von der „elektrisch üppigen“ Farbpalette der 2010er Jahre. Überall gab es sinnliche Schichten – ob durchsichtige Netzoberteile, farbige Netzstrumpfhosen, die über den Bund hinausragten, oder zarte Hosen und Oberteile mit nahezu transparenten Pailletten – kombiniert mit Momenten der Fülle, wie einer Reihe weiter Mäntel aus buntem Kunstpelz. Ein Soundtrack von Yasmina Dexter, auch bekannt als Pandora's Jukebox, sorgte für die elektrisierende Stimmung und übernahm seinen pochenden Rhythmus von Britney Spears' hypnotischem I'm a Slave 4 U.

Ein Gefühl von Eklektizismus war im Sportmax-Ausstellungsraum zu spüren, einem ehemaligen Industriegebäude, das mit zahlreichen nicht zusammenpassenden Vintage-Sofas und -Stühlen bevölkert war, die gleichzeitig als Sitzgelegenheiten für die Gäste dienten (die Stilrichtungen reichten von modernistischen Designikonen bis hin zu kitschigen viktorianischen Sesseln). Eine solche Stimmung spiegelte sich in der Kollektion selbst wider, die die Marke als „kontinuierliches Spiel der Kontraste zwischen bürgerlicher Eleganz, primitivem Chic und glamouröser Androgynie“ bezeichnete und sich dabei von den Werken des amerikanischen Fotografen Peter Hujar inspirieren ließ, der in den 1970er Jahren zu Berühmtheit gelangte 1980er Jahre, vor allem bekannt für seine Dokumentation der queeren Subkulturen der Stadt (sein Freund und Liebhaber war der wegweisende Künstler und Aktivist David Wojnarowicz). Die freizügige Kombination von Looks der Show reichte von weitschultriger Schneiderei (inspiriert von Zoot-Anzügen und Teddy-Boys), anschmiegsamen Kleidern im Stil der 1990er-Jahre, die um den Körper gebunden oder mit Federn verziert waren, und Western-inspirierten Tropen wie Hosen mit Python-Print und Karomuster. Cowboystiefel mit Spitze. „Ich fotografiere diejenigen, die bis zum Äußersten gehen … das ist es, was mich interessiert, und Menschen, die an der Freiheit festhalten, sie selbst zu sein“, wurde Hujar in der Veröffentlichung zitiert, was die befreiende Stimmung der Sammlung widerspiegelt.

Der Kreativdirektor von Tod's, Walter Chiapponi, wählte erneut den riesigen Pirelli HangarBicocca am Stadtrand von Mailand, um seine Herbst/Winter-Kollektion 2023 zu zeigen. Der spärliche Laufsteg schlängelt sich durch die monumentalen Betontürme von Anselm Keifer (Teil eines permanenten Werks, in dem die ehemalige Pirelli-Fabrik untergebracht war). Kunststiftung). Außerdem griff er auf die von den 1990er-Jahren geprägte Lässigkeit seiner vorherigen Frühjahr/Sommer-Kollektion 2023 zurück und präsentierte eine komplette Garderobe mit sanft raffinierten, archetypischen Stücken – sei es ein Peacoat mit kieselartigen, mit Leder überzogenen Knöpfen, längliche Wollmäntel oder eine Reihe von Parkas hier als Kleider verdoppelt – was an den Minimalismus der Ära erinnerte und gleichzeitig Tods außergewöhnliches Engagement für das Handwerk hervorhob („eine Kollektion mit einer starken Identität, die die hohe Qualität traditioneller Handwerkskunst mit klaren Linien und der Weichheit edler Materialien verbindet“, heißt es in den Begleitnotizen). Das Haus sagte, Chiapponis Ziel sei es gewesen, „ikonische, kostbare Stücke“ zu schaffen, die noch Jahrzehnte in der Garderobe der Trägerin Bestand haben werden. Bei den Schuhen gab es eine neue Version der Ballerinas mit Riemenverschlüssen, die um den Knöchel geschlungen waren, wobei sich der Kreuzverschluss in einem weiteren Pumps mit höheren Absätzen widerspiegelte. Zusammen ergab es ein selbstbewusstes Angebot mit einem bemerkenswerten Sinn für Raffinesse; eine Erklärung, dass Chiapponi mehr als in seinem Tempo ist.

Der industrielle Ausstellungsraum für die H/W-Kollektion 2023 von Blumarine war vorübergehend mit Erd- und Mooshügeln umgestaltet worden, aus denen mittelalterliche Ruinen hervortraten. In der Mitte befand sich das „B“ des markanten Markenlogos aus Metall, das zu Beginn der Show in Flammen aufleuchtete. Es bereitete die Bühne für Nicola Brognanos kriegerische Frau der Saison, eine verschärfte Variante der Ästhetik der 2000er Jahre, mit der die in Kalabrien geborene Designerin der italienischen Marke neue Energie verleiht. „Die Blumarine-Frau hat Charisma“, heißt es in den Sammlungsnotizen. „Bereit, ihre Schlachten zu schlagen wie eine leidenschaftliche Heldin aus einem mittelalterlichen Märchen … eine moderne Jeanne d’Arc.“ Glamouröse Versionen von Rüstungen kamen in hautengen, drapierten Kleidern und Stiefeln in glänzenden, flüssigen Metallic-Farben zum Ausdruck, während Lammfell – das auf Bustiers mit Schnallenverschluss und Miniröcken, Mänteln und kurzen Bomberjacken mit hohem Kragen verwendet wurde – das ausstrahlte, was die Marke als „kühne, kraftvolle Atmosphäre“ bezeichnete. .magnetisch, majestätisch, kraftvoll‘.

Der neue Rundum-Showroom des Hauses im Armani Teatro, der Anfang dieses Jahres erstmals auf der Emporio Armani-Herrenmodenschau vorgestellt wurde, bot einen passenden Rahmen für eine Kollektion, die ihre Wurzeln im Zirkus hatte („Der Zirkus des Lebens“ hieß die Kollektion). betitelt). „Genau wie ein elisabethanisches Theater schlägt Giorgio Armani bei der Inszenierung des Alltäglichen stets Kleidung vor, die die Person und nicht den Charakter hervorhebt“, bemerkte Emporio Armani über eine Kollektion, die theatralische Elemente mit einem „eklektischen, urbanen Touch“ versah. So saßen Miniaturhüte auf den Köpfen der Models, gewundene Samtblumen schmückten Jacken und Halsbänder, während Paillettenstreifen auf Schneidereien und Kleidern den nötigen Glamour und Reichtum verliehen. Der Designer sagte, dass die verschiedenen Stücke von einem „subtilen, aber offensichtlichen“ Gefühl von Ironie und einem „greifbaren“ Sinn für Humor geprägt seien, der für ihn in dem vergrößerten Foto einer lachenden Frau, das den Hintergrund der Kollektion bildete, zum Ausdruck kam . „Genau wie im Theater“, sagte das Haus, „kehrt alles innerhalb des Rings zurück, mit der Entstehung eines ungewöhnlichen Klassizismus.“

Das Schöne im Unerwarteten zu finden, ist seit langem ein prägender Aspekt von Miuccia Pradas Amtszeit im gleichnamigen Haus, eine Entdeckungsreise, die gestern mit der neuesten Kollektion der Designerin, die gemeinsam mit Raf Simons kreiert wurde, fortgesetzt wurde. „Es gibt in der Mode die Vorstellung, dass nur Glamour wichtig ist, ich hasse das, ich habe immer dagegen gekämpft“, erklärte sie. „In dieser Kollektion geht es darum, Schönheit überall zu finden, Schönheit unterschiedlicher Art.“

Daher lag der Schwerpunkt auf der Uniform – „Wir haben uns Uniformen angesehen, die Fürsorge repräsentieren, wie z. B. Krankenschwestern, weil der Akt der Fürsorge eine schöne Sache ist“, fuhr sie fort – in einer klaren Silhouette dargestellt, die die jüngsten Kollektionen des Paares geprägt hat (Beide haben das Streben nach Einfachheit und Reduktion in ihren Herren- und Damenkollektionen diskutiert.) Ein fast medizinisches weißes Hemdkleid war bis zu den Knöcheln verlängert und hatte einen asymmetrischen Saum – ein Vorschlag für Abendgarderobe, heißt es in den Kollektionsnotizen –, während ein anderes Hemd komplett mit verlängerten Schulterklappen und einem Origami-ähnlichen Riff an der Krawatte ausgestattet war.

„Diese typischen Uniformkleidungsstücke, die mit der Alltagswelt verbunden sind, werden normalerweise als unbedeutend angesehen. Unberücksichtigt. Daher gefiel uns die Idee, für diese Kollektion darüber nachzudenken, sie zu feiern“, fügte Simons hinzu. Andere Looks in der Kollektion, sagte er, bewirken das Gegenteil: Ein weißer Satinrock sei mit Deckchen und Blumenverzierungen verziert, die an ein Hochzeitskleid erinnern, hier mit einem alltäglicheren grauen Pullover getragen. „Wir haben [auch] Stücke von einem besonderen Anlass übernommen oder für einen Tag wie ein Hochzeitskleid kreiert, und hier wurden [sie] alltäglich“, sagte Simons. „Warum sollte dieses Fest der Liebe nur einen einzigen Tag dauern?“ In den begleitenden Sammlungsnotizen wurde dies als ein fortlaufender Austausch zwischen „dem Vertrauten und dem Außergewöhnlichen“ bezeichnet, „der beiden eine andere Bedeutung verleiht“.

Ein solches Zusammenspiel spiegelte sich auch im Bühnenbild der Show wider, das auf den ersten Blick ein karger, bunkerartiger Raum war; Im weiteren Verlauf der Show hob sich die Decke und gab den Blick auf riesige Türme frischer Lilien frei, die von der Decke herabhingen (eine ähnliche Verwandlung fand bei der Herrenmodenschau auf der Mailänder Fashion Week Herren Herbst/Winter 2023 im Januar statt, allerdings erschienen anstelle von Blumen riesige Kronleuchter). ). „Der Alltag verdient schöne Dinge“, fuhr Miuccia Prada fort. „Weil jeder Tag im Leben zählt.“

Als Ausgangspunkt für seine neueste Max Mara-Kollektion blickte Ian Griffiths zurück auf die europäischen Kaffeehäuser des 18. Jahrhunderts – wo sich die plaudernden Klassen trafen, um Ideen und Klatsch auszutauschen. „Damals wie heute versuchte jeder, die Welt zu verstehen, und jeder hatte eine Meinung“, sagte er in den Sammlungsnotizen, in denen auch Émilie du Châtelet erwähnt wurde, „eine freigeistige Marquise“ und ihr Liebhaber Voltaire, Schriftsteller und Schriftsteller Philosoph der Aufklärung (diese Figuren, sagte Griffiths, verkörperten den Geist der Zeit, den Geist unersättlicher intellektueller Debatten). Bei der Kleidung selbst sagte der Designer, er wolle die restriktiven „apotropäischen“ Tropen der Damenmode der Ära mit einem Sinn für zeitgenössische Fülle und Leichtigkeit neu interpretieren – ob es sich um kokonartige Opernmäntel, Packtaschen, die aus den Hüften eines verkürzten Rocks ragen, oder die reichhaltigen Texturen von handelt Jacquard und Brokat, die in der gesamten Kollektion vorkommen. „In Max Maras Erzählung verschmäht Émilie die komplizierten und restriktiven Stile der Zeit … die Wissenschaft lüftet den Vorhang für eine Garderobe für den Augenblick“, heißt es in den Notizen. Andere Stücke griffen auf archetypisch maskuline Kleidungsstücke zurück – wie eine Reihe zweireihiger Schneideranzüge und Mäntel – eine Anspielung darauf, dass Du Châtelet sich regelmäßig als Mann verkleidete, um Kaffeeclubs zu betreten, damit sie sich an Debatten beteiligen konnte. „Mit einer Kollektion, die Vernunft und Ordnung mit einer Prise Romantik verbindet“, sagte das Haus, „würdigt Max Mara Madame du Châtelet und Frauen wie sie.“

Die zweite Kollektion des italienischen Designers Marco de Vincenzo bei Etro schien eine Abschwächung der Stimmung gegenüber seinem im September 2022 präsentierten Damenmode-Debüt darzustellen und begünstigte das eher hausgemachte Gefühl seiner ersten Herrenkollektion, die Anfang 2023 enthüllt wurde. Diese Herrenkollektion – Das Projekt, das De Vincenzo als „Verschmelzung von Öffentlichem und Privatem, Heimischem und Sozialem“ beschrieb, hatte mit Erinnerungen an eine Jacquard-Samtdecke begonnen, die der Designer als Kind geliebt hatte. Die Decke kehrte hier als fortlaufendes Motiv zurück, wobei eine auf dem Sitz jedes Teilnehmers zurückblieb und dann in der Sammlung wieder auftauchte, umhüllt um die Körper der Models, als ob sie gewickelt oder in einen Kokon gehüllt wären. An anderer Stelle wurde ein gegensätzliches Gefühl von Leichtigkeit in einer Reihe von durchsichtigen Kleidern hervorgerufen, die mit verschiedenen Blumendrucken verziert waren, die an die in Etros historischen Archiven gefundenen Muster erinnern, während eine reiche Auswahl an Details – wie farbenfrohe 3D-Strickblumen, die auf eine übergroße Strickjacke gestickt waren – ansprach der unkonventionelle Eklektizismus, der für das Haus steht. „Ein Dialog ist ein Work-in-Progress, genau wie der Ort, der heute die Ausstellung umrahmt: ein historischer Palazzo, der in eine Baustelle verwandelt wurde, gerade eingepackt oder bereit zum Auspacken“, heißt es in den Sammlungsnotizen – eine Anspielung auf den Ausstellungsraum im Innenhof eines Mailänder Palazzo. „Je mehr sich der Kreativdirektor mit Etro befasst, desto fesselnder wird der Dialog mit dem, was Etro ist.“ „Die Erforschung der Geschichte einer Marke ist schließlich ein archäologisches Unterfangen.“ Der Show heute Abend nach zu urteilen, ist dieser Ausgrabungsprozess ein Prozess, bei dem De Vincenzo immer scharfsinniger wird.

Alessandro Dell'Acqua hat in dieser Saison auf Platz 21 seine subtil subversive Vision der Weiblichkeit weiter verfeinert, mit einer Kollektion, die seinen Ruf als eines der versiertesten Talente der Stadt erneut festigte. Die H/W 2023 wurde in einem ehemals industriellen Raum präsentiert und kehrte letzten September zu den filmischen Inspirationen der Dell'Acqua-Kollektion zurück; In dieser Saison widmete er sich den Filmen des italienischen Regisseurs Michelangelo Antonioni aus den frühen 1960er Jahren und dem größeren gesellschaftlichen Milieu des Landes zu dieser Zeit. „Es waren die Jahre, in denen die Klischees der italienischen Provinz und der Mittelklasse angesichts einer sich verändernden Welt auseinanderfielen“, sagte Dell'Aqua. „Aber es waren auch die Jahre der Entdeckung der Sinnlichkeit, sogar der Erotik, zusammen mit dem für die damalige Zeit gewagten Einsatz von List und Verrat.“ Diese Gegenüberstellungen wurden in den Looks der Kollektion eingefangen: Die Reißverschlüsse damenhafter Kleider blieben offen und schief, die Schnitte wurden an der Taille weggesägt und roh gelassen, Skorpionbroschen aus Metall befestigten Strickjacken auf der Rückseite. Andere Slip-Kleider waren zu einem Rock zusammengerollt, während transparente Schichten – wie Chiffon-Kleider mit „unsichtbaren“ Tüll-Slips darunter – auf einen sexuellen Schauer hindeuteten. Der Designer sagte, es gehe darum, die Archetypen der Damenmode auf der Suche nach etwas Neuem zu verändern. „Deshalb habe ich viele klischeehafte Elemente der weiblichen Garderobe zusammengestellt, um sie besser zu identifizieren, aufzurütteln und zu streichen – oder einfach herunterzuspielen.“

„Alles begann mit Delfina“, sagte Kim Jones über seine neueste Fendi-Kollektion und bezog sich dabei auf Delfina Delettrez Fendi, einen Spross der Fendi-Familie in der vierten Generation, der auch die künstlerische Leiterin des Hauses für Schmuck ist (sie hat auch ihren eigenen gleichnamigen Schmuck geleitet). Marke mit Sitz in Rom seit 2007). „Die Art und Weise, wie sie Fendi verdreht, ist zwar schick, aber auch pervers, und das liebe ich“, erklärte Jones und bemerkte, dass diese Gegenüberstellung den Ausgangspunkt der Kollektion bildete, die Eleganz und Klassizismus mit Momenten der Subversion in Einklang brachte. Vieles davon wurde durch eine Verschmelzung von Tropen der Herren- und Damenbekleidung erreicht, eine „Interpolation geschlechtsspezifischer Archetypen; „die Störung damenhafter Kultiviertheit“, wie in den Notizen beschrieben. So trafen feminine Elemente – durchsichtige, von Dessous inspirierte oder schräg geschnittene Kleider, das schimmernde Futter eines mit Pailletten verzierten Mantels – auf einen Sinn für Utilitarismus in Silhouetten, die von Arbeitskleidung, Uniformen und Schürzen inspiriert waren. Strickwaren, größtenteils gerippt, darunter Strickjacken und knöchellange Kleider, wurden um den Körper drapiert, während Schnittmuster – ein bestimmter Stil fügte einer traditionellen Herrenweste umgeschlagene Ärmel hinzu – mit der Idee der Dekonstruktion spielten. „Es ist dekonstruiert, aber luxuriös.“ „Es gibt eine kleine Anspielung auf Punk und meine Bewunderung für DIY, aber ich bin zu etwas Schickerem übergegangen“, sagte Jones. Während ihres Teils der Delettrez-Kollektion schmückte Fendi die Ohren der Models mit Doppel-F-Schloss-Schmuck. „Ich wollte die Reinheit des doppelten F erforschen, das sich am Ohr festsetzt“, sagte sie. „Wie die Kollektion geht sie auf das Wesentliche von Fendi ein.“

Ein riesiger Haufen Durex-Kondome – 200.000, um genau zu sein – stand in der Mitte des Diesel-Ausstellungsraums für eine Show, bei der es der Marke zufolge um „Freiheit, Vergnügen, Experimentieren und Spiel“ ging (weitere 300.000 werden in diesem Jahr in Diesel-Läden verteilt). April zusammen mit einer Kapselkollektion von Kleidung und markiert damit die erste Zusammenarbeit von Durex mit einem Modelabel. „Sexuelle Positivität ist etwas Erstaunliches.“ Wir spielen gerne bei Diesel, und wir meinen es ernst. Habt Spaß, respektiert einander und seid sicher“, sagte Kreativdirektor Glenn Martens. „Wir müssen alle daran erinnern, dass Safer Sex immer noch wichtig ist, das dürfen wir nicht vergessen.“ Die Idee des Experimentierens und Spielens – bereits ein Markenzeichen von Martens‘ Amtszeit bei der Marke – spiegelte sich in der Kollektion selbst wider, die die Erforschung von Denim fortsetzte, hier größtenteils im Used-Look („Distressed-Effekt hat neue Intensität“, heißt es in den Kollektionsnotizen). Demin Devoré (eine von der Marke selbst entwickelte Technik) wurde verwendet, um den Anschein von Abnutzung zu erwecken und darunterliegende Hautpartien freizulegen; während der tief sitzende Bumster-Moto-Denim mit „Whiskers“ gebleicht wurde (eine Denim-Technik, die sich auf die verblassten Falten an den Oberschenkeln von Jeans bezieht). Andere Stücke – wie eine Reihe von Mänteln, die aus geschmolzenem Kunststoff gefertigt zu sein schienen, oder eine „mit Flammen gebrannte“ Lederjacke – setzten das Thema fort. Aber es war ein Gefühl von Sinnlichkeit und Glamour, das der Kollektion ihre einzigartig befreite Stimmung verlieh, mit Streifen aus Diamanten auf oberschenkelhohen Stiefeln und bodenlangen Kleidern, Halsbändern mit Diesel-Logo und einer Reihe von Drucken aus alten Mundkampagnen und Lippen. „Für ein erfolgreiches, sexuelles Leben“, scherzte Martens, eine Anspielung auf Diesels immerwährenden Slogan.

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Jack Moss ist Fashion Features Editor bei Wallpaper*. Nachdem er zuvor Rollen bei den Magazinen 10, 10 Men und AnOther innehatte, trat er 2022 dem Team bei. Seine Arbeit konzentriert sich insbesondere auf die Momente, in denen Mode und Stil mit anderen kreativen Disziplinen – darunter Kunst und Design – überschneiden, und setzt sich für a ein neue Generation internationaler Talente und die Profilierung der führenden Persönlichkeiten und Marken der Branche.

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